Frau Benkelmann, Sie haben zum ersten Mal Regie bei dieser Reihe geführt. Was hat Sie an dem Format gereizt, was an der Inszenierung des Buches „Das dritte Grab"?
Bei einer so lang bestehenden und erfolgreichen Reihe habe ich mich zuerst gefragt, was ich als „Neue“ dem Ganzen noch hinzufügen kann. Nicht umsonst hat „Nord bei Nordwest“ letztes Jahr den Publikums-Preis für die ARD-Kultserie der letzten 75 Jahre bekommen. Aber das Tolle an „Nord bei Nordwest“ ist – und zumindest für mich ist es auch das Rezept des Erfolgs –, dass jeder Film eine Wundertüte ist. Einige Filme sind dramatischer, andere lustiger, einige dippen in Genres wie Western oder Horror. Es gibt Schwanitz mit den dort lebenden Figuren und deren Beziehungen, aber dazwischen ist ganz viel Freiraum und Platz für Experimente. Das ist ein riesiges Spielfeld für mich als Regisseurin. Schwanitz ist ein Ort, an dem alles passieren kann.
Ein großes Geschenk ist es, wenn man nicht nur ein gutes Drehbuch als Vorlage bekommt, sondern eins, das den Kern der Reihe trifft. Das war bei „Das dritte Grab“ von Niels Holle der Fall. Es vereint sämtliche „Nord bei Nordwest“-Zutaten: den Humor, schräge Figuren, die Liebe, den Krimi, die Tiere und das norddeutsche Flair.

Wie haben Sie sich der Tonalität und den Figuren angenähert?
Der Humor der Schwanitzer Welt und der Figuren ist einer der Hauptgründe, warum ich Lust hatte, eine Folge zu inszenieren. Ich glaube, wenn man nichts mit dem Humor dieses Formats anfangen kann, ist man nicht gut beraten, dafür Regie zu führen. Autor Niels Holle beherrscht die skurrile Tonalität meisterlich und hat über die Jahre natürlich auch die Spielweise und den ‚Sprech‘ des Hauptcasts mit aufgenommen und umgekehrt.
Dann komme ich mit meinem Humor und bereite den Film vor. Es ist immer auch ein Experiment, was der eigene Humor bzw. das individuelle Verständnis des Humors der Reihe letztendlich mit dieser macht. Hinzu kommen die humoristischen Momente, die spontan am Set entstehen, wo man kuratieren muss, ob sie die Szenen wirklich besser machen. Nicht alles, was am Set lustig ist, überträgt sich auch auf den Film.

Gab es während der Dreharbeiten Besonderheiten?
Oh ja! Die Seebestattung auf dem Schiff brachte definitiv die größten Schwierigkeiten mit sich. Ein Dreh auf einem Schiff ist immer schon eine logistische Herausforderung, weil da nicht viel Platz ist und man deshalb nur mit kleiner Teamgröße drehen kann. Für die Szene mussten wir weit aus der Bucht herausfahren, damit man das Gefühl hatte, wir wären auf offener See. Bei einem alten Boot wie dem von Hauke dauert das und kostet wertvolle Drehzeit. Außerdem wurde an diesem Tag das Wetter sehr schlecht und es zog kräftiger Wind auf. Wegen des Filmtons mussten wir den Motor des Bootes zum Drehen immer ausmachen, so dass das Boot während des Drehs den Wellen ausgeliefert war. Einige im Team wurden seekrank. Besonders in den Einstellungen auf Hauke im Fahrerhäuschen sieht man den kräftigen Wellengang. Und irgendwann fing dann auch noch der Motor an zu qualmen und fiel komplett aus, so dass das ganze Team von Speedbooten evakuiert werden musste. Da war die kleine Teamgröße von Vorteil.

Inwieweit war es wichtig, diese doch eher düstere Geschichte im Frühjahr zu inszenieren und nicht in der dunklen Jahreszeit?
Der Drehzeitraum der Folge stand schon fest, bevor ich zu dem Projekt kam. Aber für meinen Kameramann Philip Jestädt und mich hätte es keinen besseren Zeitpunkt geben können. Wir wollten Schwanitz als frühlingshaftes Idyll zeigen, weil uns gerade dieser Kontrast zu der düsteren Geschichte so reizte. In „Das dritte Grab“ kommt das Böse nicht von außen, sondern entsteht aus dem idyllischen Ort selbst und entlarvt diesen. Dass das Wetter während des Drehs dann größtenteils so gut war, war pures Glück. Man plant beim Film ja sehr viel voraus, aber das Wetter gehört immer noch zu den unkalkulierbaren Variablen. Es hätte uns auch passieren können, auf einem verregneten, matschigen Friedhof stehen zu müssen.

Das Zusammenspiel des Trios Hauke, Hannah und Jule bildet den emotionalen Kern der Reihe. Inwieweit empfanden Sie das als eine Herausforderung?
Bei gleich welcher Liebesgeschichte ist es für die Regie ein Geschenk, wenn sich der Cast schon gut kennt und man die Verbindung nicht von Anfang an herstellen muss. Das Liebesdreieck von Hauke, Hannah und Jule durfte und konnte sich über Jahre entfalten, die drei sind ein wirklich eingespieltes Team. Bei einer so langsam erzählten Liebesgeschichte, oder besser gesagt, bei zwei so langsam erzählten Liebesgeschichten, liegt die größte Herausforderung im Buchprozess. Schließlich braucht es ja immer wieder Gegebenheiten, die Hauke mehr zu Hannah ziehen und dann wieder mehr zu Jule. Und es braucht Gründe, warum sich zwei verpassen oder der richtige Moment nicht kommt. Während des Drehs liegt dann in der Inszenierung die Herausforderung, nicht nur die Auflösung des Kriminalfalls mitzudenken, sondern eben auch immer wieder Raum zu schaffen für Annäherungen und Anziehung. Es muss in jeder Folge immer wieder die richtige Balance zwischen Krimi und Liebe gefunden werden. Mal ist da mehr Platz, mal weniger.

Was brachten Arnd Klawitter, Oda Thormeyer und Dagmar Leesch für die Verkörperung ihrer Figuren mit?
Mit Dagmar Leesch hatte ich in der Vergangenheit schon zusammengearbeitet und wusste, dass sie nicht nur den Spagat zwischen der Weichheit und gnadenlosen Härte der Figur Ulrike Seewalds wunderbar würde meistern können, sondern sich auch in die skurrile Schwanitz-Welt gut würde einfügen können. Oda Thormeyer kannte ich vom Thalia Theater, hatte aber noch nie mit ihr gearbeitet. Ihre Figur Grimm ist eine misanthropische, zurückgezogen lebende Figur, die sich nicht viel um soziale Gepflogenheiten kümmert. Privat ist Oda genau das Gegenteil: eine absolute Menschen- und Tierfreundin. Genau deswegen hat es großen Spaß gemacht, sich mit ihr der Figur körperlich wie emotional zu nähern. Oda hat stechend blauen Augen mitgebracht für diesen Grimm-Blick, der andere im Erdboden versinken lässt.

Auch mit Arnd Klawitter war es die erste gemeinsame Arbeit. Trotzdem haben wir uns in unseren Blicken auf Figur und Humor direkt gefunden. Der von ihm gespielte Dirk Eilers ist eine Figur, deren Motor Angst ist, die sie abwechselnd zu Höchstleistung treibt und in sich zusammenfallen lässt – sie ist immer in Bewegung. Da liegt ein großes Potential für Körperkomik, das Arnd hervorragend gemeistert hat. Er war dabei nicht nur sehr präzise und vielschichtig, sondern auch mutig. Mutig, weil solche schrillen Figuren wie Dirk Eilers im deutschen Fernsehen selten sind und damit auch immer ein Wagnis. Aber wir fanden das richtig und hatten Lust darauf.