Authentizität, Alltag und Wirklichkeit 

Sie gehört zu den herausragenden Drehbuchautorinnen Deutschlands. Davon zeugen Bären, Löwen, Lolas, Deutsche Fernseh- und Grimme Preise sowie viele andere Auszeichnungen. Dabei ist Laila Stieler eine der Autorinnen, die sich konsequent dem Krimi verweigern und noch nie einen „Tatort“ oder „Polizeiruf 110“ geschrieben haben.

Angesichts der vom Publikum gewünschten Sintflut an Krimis im deutschen Fernsehen ist ihre Karriere irgendwie erstaunlich – und zugleich kein Wunder, weiß sie nach intensiven Recherchen doch immer genau, wovon und von wem sie erzählt. Stieler zeichnet ihre Figuren so fein, sensibel, emphatisch und sozial präzise verortet wie nur wenige andere. Eine konstruierte Handlung entwickelt sich in ihren Geschichten eher beiläufig, Authentizität, Alltag und Wirklichkeit dominieren. Ihre Konzentration gilt den Entwicklungen im Inneren ihrer Charaktere, im Kontext eines genau abgesteckten gesellschaftlichen und sozialen Rahmens. Vermutlich hat das auch mit ihrer ostdeutschen Herkunft zu tun. Sie führt – oft gemeinsam mit Andreas Dresen, ihrem „Partner in Crime“‘ – wichtige Erzähltraditionen im deutschen Film fort, für die große Namen wie Wolfgang Kohlhaase und Konrad Wolf stehen. 

Keine Krimis zu schreiben bedeutet für sie aber nicht, Polizeiarbeit in ihren Geschichten komplett auszusparen. Der sogenannte „Freund und Helfer“ hat einen oft schwierigen Beruf, in dem ein herausfordernder Alltag bewältigt werden muss, häufig auch in Konfrontation mit Aggressionen und Milieus am Rande der Gesellschaft. Mit „Die Polizistin“ hat Stieler darüber im Jahr 2000 einen Maßstäbe setzenden, vielfach preisgekrönten Film geschrieben. Die Heldin war eine authentische Rostocker Streifenpolizistin, die sozialen Widrigkeiten und ihren routinierten Kollegen trotzte, und sich dabei partout keine dicke Haut zulegen, sondern Empathie und Hoffnung erhalten wollte.

25 Jahre später erzählt „Polizei“ nun, sensibel und sanft inszeniert von Regisseurin Buket Alakus, eine weit weniger hoffnungsvolle

Geschichte von systemischem Zwang und Ungerechtigkeit – über wahllose Polizei-Gewalt, maßlose Misshandlungen und Erniedrigungen, abgesprochene Falschaussagen, polizeiinternen Korpsgeist und dessen Folgen. Muster, die manchmal ebenso zur Wirklichkeit bei der Polizei gehören wie eine ausufernde Durchsetzung des staatlichen Gewaltmonopols. Davon handeln die zahllosen Helden- und Heldinnen-Geschichten der Prime Time Krimis eher selten.  

Laila Stieler wählt in „Polizei“ nicht die Sicht der Ordnungshüter, sondern konzentriert sich auf die ohnmächtige Erzählperspektive eines Opfers. Sie zeichnet mit dem 18-jährigen Anton Stern das Porträt eines schwer traumatisierten jungen Mannes, der sich seiner Erinnerung nicht mehr sicher ist und, getrieben von Aggressions- und Panikattacken, um seine Zukunft fürchten muss. Nebenbei entsteht so auch die Skizze einer durch die Pandemie-Zeit geprägten, ebenso fragilen wie vom System enttäuschten, verwöhnten Generation, die sich zwischen Fatalismus und Kampfgeist entscheiden muss. Regisseurin Buket Alakuş hat dafür gemeinsam mit Produzent Peter Hartwig, Redakteurin Sabine Holtgreve und auch Laila Stieler ein großartiges Team vor und hinter der Kamera zusammengestellt. Im Zentrum des bewegenden Jugenddramas stehen dabei in seiner zweiten Hauptrolle der hochtalentierte Levy Rico Arcos, bekannt aus „Sonne und Beton“, und die glänzende Petra Schmidt-Schaller, die eindrücklich eine sehr besondere Mutter-Sohn Beziehung darstellen, die von einem veränderten Familienbegriff geprägt ist. Wir sind gespannt und freuen uns auf die Reaktionen der Zuschauerinnen und Zuschauer.

Christian Granderath (NDR), Leitung Film Familie & Serie  

„Es geht nicht nur um Polizeigewalt, sondern geradezu um ein Desinteresse eines ganzen Landes seinen Jugendlichen gegenüber“

Gespräch mit Laila Stieler (Drehbuch) 

Die Jugendstrafverteidigerin sagt irgendwann im Film: „Ich habe den Eindruck, das ganze Land hat sich gegen seine Jugendlichen verschworen.“ Stehen diese Worte letztlich auch für Ihren Impuls, das Buch entwickelt zu haben?  
Ja, kann man sagen. Dieser Satz sowie der am Ende des Films: „Was wird aus unseren Kindern?“ Tatsächlich ging es mir bei der Entwicklung des Films zu Anfang ausschließlich um das Thema Polizeigewalt und um die Frage, wie ich mit meinen eigenen Wut- und Ohnmachtsgefühlen fertig werde. Und je mehr ich mich damit beschäftigt habe, desto klarer wurde mir, dass vor allem die junge Generation betroffen ist und dass es nicht nur um Polizeigewalt geht, sondern geradezu um ein Desinteresse eines ganzen Landes seinen Jugendlichen gegenüber. 

Anton wirkt am Anfang des Films in seinem kleinen, bescheidenen Leben tatsächlich auch ein bisschen so, als müsse er sich vor allem auf sich selbst verlassen.  
Anton ist ja einer von uns, kein notorischer Straftäter, naiv, gutmütig, hilfsbereit – ein toller Kerl eigentlich. Er hat diesen Dämpfer verpasst bekommen in seiner persönlichen Entwicklung und sich deshalb zurückgezogen. Er versucht, die seelische Erschütterung, das Trauma zu verdrängen und parallel dazu, sich etwas aufzubauen. Und das kostet natürlich unheimlich viel Kraft, sich seine eigene Welt zu schaffen und gleichzeitig diese furchtbare Demütigung wegzustecken. Die trifft ihn ja als heranwachsenden, jungen Mann mit voller Wucht. 

Indem der Film über die Hauptfigur Anton in einigen Aspekten die Coronazeit mit der Polizeigewalt verknüpft, beschreibt er auch in gewisser Weise eine Kontinuität autoritärer Maßnahmen von Staat und Gesellschaft gegen Jugendlichen, oder?  
Also es gibt auf der einen Seite diesen autoritären Teil, der sich in den Corona-Maßnahmen, auch in der Justiz und eben in Organen wie der Polizei äußert. Da erkenne ich durchaus Strukturelles und stehe damit ja auch nicht alleine. Es wurde im Zusammenhang mit Corona viel darüber geredet, wie schlimm das für die Kinder war. Die Jugendlichen aber sind bei diesen Analysen meist hinten runtergefallen – die also, die gerade in Umbruchphasen stecken, die eigentlich loslegen wollen, in ein Erwachsenenleben zu starten. „Die kommen schon klar, die sind ja älter, die werden das schon schaffen.“ Habe ich oft gehört. Nein, eben nicht! Das waren auch noch Kinder!  

Und das Gegenstück dieser autoritären Seite? 
Innerhalb des staatlichen Gefüges gibt es auch immer wieder Menschen und aus öffentlicher Hand gestützte Institutionen wie etwa die Jugendgerichtshilfe, die sich total engagieren. Und eben – wie im Film gezeigt – Anwältinnen und Anwälte oder Hilfsorganisationen wie die fiktive „Bandiera Rossa“. Diese unterstützende Seite aber besteht vor allem aus einzelnen oder persönlichen Initiativen.  

Haben diese autoritären Elemente bei den Jugendlichen vor allem das Vertrauen in unsere Gesellschaft erschüttert? 
Das ist tatsächlich die Frage, die ich mir stelle und die sich auch der Film stellt. Anhand von Antons Schicksal habe ich mich gefragt, was aus jemandem wird, der sowas erlebt, der Gewalt erlebt, der Ungerechtigkeit erlebt und zwar strukturell, systematisch von Seiten staatlicher Organe, dem also keine Gerechtigkeit widerfährt. Und der dadurch einen Rückschlag erfährt in seinem Aufbruch ins Erwachsenenleben. Der kriegt eins auf den Deckel, strauchelt, rappelt sich wieder auf und startet neu durch – nun aber gezeichnet. Und das ist nicht nur ein Kompromiss, eine Niederlage, er muss sich mit etwas arrangieren, mit dem er sich nicht arrangieren wollte. Mit Ohnmacht und Ungerechtigkeit. Welches Vertrauen hat der in seinen Staat? 

Diese Frage wird im Film dann nicht nur über diese staatlichen Organe diskutiert, sondern auch über die Eltern, Freunde und Kollegen, mit deren Haltungen Anton konfrontiert wird.  
Ich wollte erzählen, wie Anton immer wieder erlebt, dass ihm misstraut wird, nicht geglaubt wird. Dieses permanente Nicht-Gehörtwerden – wie fühlt er sich dabei? Hinzu kommt, dass er sich einem Trauma stellen muss, das er selbst eigentlich gar nicht wahrhaben will. Um dies erlebbar zu machen, nehmen wir konsequent nur Antons Perspektive ein. Und ich bin meinen Redakteuren Christian Granderath und Sabine Holtgreve dankbar, dass sie diesen Weg mitgegangen sind. Okay, Eltern, Polizei usw., alle haben ihre eigene Perspektive auf das Geschehen, aber die interessiert mich jetzt nicht. Ich wollte sagen können: Anton, wir hören dich, wir erzählen deine Sicht. 

Und in seiner Sicht erscheint das Gefühl, einer Systematik ausgeliefert zu sein, im Laufe des Films immer deutlicher. Was macht das mit ihm?  
Anton will kein Opfer sein, das ist nicht sein Selbstbild, aber er muss seine Ohnmachtserfahrung, die Demütigung wieder aus sich herausholen, bloßlegen. Und dabei wird ihm immer klarer, dass die erfahrene Gewalt kein Zufall ist, kein Einzelfall, und dass es kaum Sinn hat, sich dagegen zu wehren. Zumindest wird ihm davon abgeraten. Und er fragt sich ganz normal: Wie kann das sein?  Von diesem Erleben systematischer Gewalt haben mir viele Betroffene erzählt. Ich bin immer sehr misstrauisch, wenn es um so extreme Positionen geht, aber mir wurde nicht nur von den Betroffenen selbst berichtet, sondern auch von einer wunderbaren Anwältin, die ich im Zuge der Recherche kennenlernen durfte. Sie engagiert sich außerordentlich, hat schon in ihrer Ausbildung angefangen, sich auf Jugendstrafrecht zu spezialisieren, und hat mir viele beispielhafte Fälle genannt. 
Zudem gibt es die überaus lesenswerte Studie „Gewalt im Amt“ von Laila Abdul-Rahman, Hannah Espín Grau, Luise Klaus und Tobias Singelnstein. Die Arbeit ist mehrere hundert Seiten lang und beschreibt das Thema Polizeigewalt aus verschiedenen Perspektiven, unter anderem, was die Opfer von Polizeigewalt erleben, wenn sie sich dagegen zu wehren versuchen. Strafverfahren wegen rechtswidriger Gewaltausübung seitens der Polizei werden größtenteils wieder eingestellt, heißt es da. Im Jahr 2021 war das in 93 Prozent der Verfahren der Fall. 93 Prozent! Zahlen und Fakten sprechen Bände. Die Studie wird mit einem schönen Satz der Soziologin Teresa Koloma Beck eingeleitet, der sinngemäß lautet: Wie ein Stein, der ins Wasser fällt und Wellen erzeugt, die irgendwo entfernt Linien im Sand verändern können, geht Gewalt über den Moment der zugefügten Verletzung hinaus und prägt die Struktur der Gesellschaft selbst. 

Es gibt im Film ja auch Figuren, die vertrauensbildend auf Anton wirken, die Anwältin natürlich, dann Merle von „Bandiera Rossa“ oder der Koch Otto, Antons Chef. Der erzählt ihm sogar von seinen Demoerfahrungen in Brokdorf – eine echte Brücke in die andere Generation. 
Diese Figuren gibt es natürlich auch. Mit der Entscheidung für nur eine – Antons – Perspektive laufen wir Gefahr, einseitig zu werden. Wir wollten darüber hinaus nicht den Eindruck entstehen lassen, dass Anton larmoyant ist. Ist er ja auch nicht. Er versucht wiederholt, in sein altes Leben zurückzukehren, aber es wird ihm nicht leicht gemacht. Und dann gibt es diese Brücken-Figuren, die uns für ihn hoffen lassen. Es ist ein Balanceakt. Manchmal ist eine allzu große Ausgewogenheit nicht förderlich, um Diskussionen anzuregen. 

Heißt der Film „Polizei“, weil dieser Titel nochmal die Frage unterstreicht, ob da eine gewisse Systematik dahintersteckt?  
Ja, definitiv. Aber es gibt auch noch einen weiteren Grund: Mit Christian Granderath und Peter Hartwig habe ich vor 25 Jahren „Die Polizistin“ gemacht. Der Film unter der Regie von Andreas Dresen erzählt das System aus einer ganz anderen Perspektive, nämlich der einer jungen Streifenpolizistin. 

„Die Polizistin“ schlägt tatsächlich einen ganz anderen Ton an, nimmt einen ganz anderen Blick ein auf die Polizei mit einer sehr hoffnungsvollen Figur. 
Naja, auch bei ihr geht’s ums Arrangieren. Ihr wird ja von den Kollegen immer wieder empfohlen: Du musst dir ’ne dickere Haut zulegen. Aber sie kann das einfach nicht. Sie geht mit Blessuren, aber erhobenen Hauptes aus der Geschichte. Sicher hat es die Art von Gewalt, über die wir heute erzählen, auch schon damals gegeben. Vielleicht nicht in dieser Form. Aber klar: Die Entscheidung dafür, im Film „Polizei“ quasi die entgegengesetzte Perspektive einzunehmen, ist auch ein Verweis auf „Die Polizistin“ von damals und auf uns selbst. Auch wir haben uns verändert. 

In „Polizei“ herrschen vor allem zwei Themen vor: die Auswirkungen der Corona-Zeit auf Jugendliche, aber auch generell auf die Gesellschaft, sowie das Thema Polizeigewalt. Beides wird im Buch verknüpft über die Figur des 20-jährigen Anton. Sie spielen Antons Mutter, Katja Stern, die eine sehr wichtige Funktion hat. 
Sie schlägt die Brücke zu uns Älteren. 

Wer ist diese Katja Stern? Wie würden Sie sie in Hinsicht auf Anton und seine Situation beschreiben? 
Durch Gespräche mit der Autorin Laila Stieler und der Regisseurin Buket Alakuş wurde diese Figur in der Vorbereitung viel tiefer und viel wärmer und emotionaler für mich, als ich sie zuerst gelesen hatte. Zunächst war Katja für mich erst einmal eine Frau, die ein Standing hat als Business-Coach und sich als Selbständige durchschlägt. Sie hat einen toughen Zugriff aufs Leben und macht Yoga als Ausgleich. Katja ist irgendwann an einen Punkt gekommen, an dem sie gemerkt hat, dass das Leben so, wie sie es als Familie führen, nicht gut ist – Corona wird dafür sicherlich ein Zünder gewesen sein. Das hat diese kleine Familie auseinandergerissen. Ich bin im wahren Leben auch eine getrennte Person und kann das sehr gut nachvollziehen. Und da gibt es ja auch verschiedene Abstufungen. Hier ist es so gelagert, dass sich Nadja getrennt hat, der Vater aber immer wieder diese Familie sucht, die Katja überhaupt nicht will. Dieser Zwiespalt, dieses Zerrissene legt sich natürlich auch auf Anton. Und so begleiten die beiden Eltern mit einer gewissen Hilflosigkeit diesen jungen Mann beim Erwachsenwerden. Für mich wuchs diese Mutterfigur im Laufe des Drehs in eine durchlässige Frau, der man ansehen kann, wie schwer das ist: wenn man für sich einsteht und trotzdem für das Kind da sein will, wenn man einen jungen Menschen ins Erwachsenenleben begleiten will und die Hauptaufgabe dabei Loslassen ist.  

Katja Stern kann diese Situation deutlich sehen, hat aber auch eine andere Seite -  nämlich, dass sie sich von ihrem Sohn alleingelassen und in ihrer Mutterrolle nicht gesehen fühlt.
Ja, genau. Sie ist nicht komplett die aufopfernde Mutter, sondern sie sagt: „Du, ich bin auch ein Mensch. Ich existiere, und es ist schon schön, wenn wir uns ab und zu mal sehen und hören würden.“ Das gibt sie ihm ja in ihrer ersten gemeinsamen Szene im Film zu verstehen. Anton kann darauf gar nicht reagieren, weil er ja gekommen ist, um ihr diese Anklageschrift zu zeigen. Wir sehen in dieser Szene sehr gut, dass zwischen den beiden eigentlich eine starke Bindung herrscht. Die mag jetzt nicht komplett okay auf allen Ebenen sein, aber die beiden sind verbunden – und zwar mehr als ich anfangs gedacht hatte. Das fand ich so spannend bei diesem Film herauszuarbeiten: wie schwer es ist, ihn loszulassen und den Weg zu akzeptieren, den Anton einschlagen will. Es geht hier um das Kind und nicht nur um die Mutter. Das ist eine sehr schöne Mutter-Kind-Beziehung, die da erzählt wird. 

Gerade auch, weil die Mutter ja trotzdem ambivalent gezeichnet ist – wie sie etwa über Antons Generation herzieht, die so fragil sei, die immer alles bekomme, die für nichts habe kämpfen müssen. Da ist sie auch durchaus ein bisschen unfair, oder? 
Ja, aber da ist es auch wichtig, den Kontext der Szene zu sehen. Sie stehen da zu dritt, mit Antons Vater. Und versteckt gibt sie mit diesen Worten vor allem ihm einen mit. Ich denke aber, sie bedauert es, diese Sätze aus Wut und Ohnmacht heraus gesagt zu haben. Ohnmacht ist eine von Katja Sterns Kernerfahrungen im Film. Später in Bezug auf die Gewalt, die ihrem Sohn widerfahren ist, auf den Schmerz, den sie da einatmen muss. Aber auch in dieser Szene, weil sie nicht mehr wirklich rankommt an ihn und dann natürlich gegen den Vater schießt. Das ist eine sehr gut geschriebene Szene, denn Katja kommt ja aus dieser Coaching-Welt, in der es viel darum geht, wie komme ich in meine Kraft – das ist ihr Narrativ. Nur: In der Phase, in der Anton steckt, da ist natürlich die Mutter als Coach leider Gottes die Falscheste. 

Immer wieder scheint im Film der Bezug der jungen Generation zur überwundenen Corona-Zeit durch. Auch der Moment auf der Demo wirkt wie eine Folge aus dieser Zeit. Neigt die ältere Generation dazu, zu vergessen, was die Jungen da durchgemacht haben?  
Ja, weil wir unsere Kinder viel zu selten in ihrem eigenen Kontext sehen. Meine Tochter gehört komplett in diese Generation, die Corona mitgemacht hat, die aber auch diese ganze digitale Welt als richtige Welt begreift, also die sich dadurch auch spürt. Und das ist etwas, das für mich teilweise unerträglich ist mit anzusehen. Klar, ich kann nicht leugnen, dass auch ich bei bestimmten Handyclips etwas spüre. Aber es ist natürlich nicht so, als würde ich es wirklich erleben. Und auch der Frust über dieses unterschiedliche Erleben gehört zu dem Kontext, in dem Katja diesen Spruch zu Anton bringt. Es ist schlicht zu einfach, wenn wir unsere Kinder nur aus unserer Vergangenheit oder unserem Erleben heraus angucken und nicht aus ihrem. Und Corona war ein riesiger Einschnitt – auf so vielen Ebenen.  

Der Film deutet an, dass sich der Druck jener Corona-Jahre auf Kinder und Jugendliche in dieser übermäßigen Polizeigewalt in gewisser Weise fortsetzt. Setzen wir das Vertrauen der jungen Generation in unsere Gesellschaft dauerhaft aufs Spiel?  
Ja, und ich verstehe die Entwicklung der Katja Stern sehr gut, wie sie das alles erst einmal gar nicht glauben kann. Und es ist ja auch krass, wie schnell man sich den Vorwurf des Landfriedensbruchs einhandeln kann. Wie im Film reicht es, in einer Demo zum falschen Zeitpunkt am falschen Ort sich aufzuhalten – und plötzlich bist du vorbestraft. Da ist ja schon die Frage, wie kann das gesamte Justizsystem da noch genauer hinschauen? Du hast da Jugendliche sitzen, die von ihrem Demonstrationsrecht Gebrauch gemacht haben, vielleicht eine Situation falsch eingeschätzt haben und plötzlich auf einer Vorstrafe sitzen, die sich auf den gesamten Verlauf ihrer Ausbildung und ihres Lebens auswirken könnte. Das wusste ich vor diesem Film nicht, wie schnell das gehen kann. 

Es gibt im Film als Kontrast zum Konflikt auch einige wirklich schöne, warme Momente zwischen Tochter und Sohn – wie war denn die Arbeit mit Ihrem jungen Kollegen Levy Rico Arcos? 
Die Arbeit mit ihm war sehr besonders, weil er so wunderbar neugierig und offen ist. Hieß es früher „da geht ein Stern auf“, dann passt das auf Levy. Wenn er so weitermacht, wird das einer der Schauspieler, für den Menschen gezielt und gerne einschalten, weil man durch ihn Geschichten erzählt sieht. Es hat richtig viel Spaß gemacht, mit ihm zu drehen. Ich fand, dass er noch die Augen eines Kindes hat – ich würde ihm wünschen, dass er das behält, diese Neugier und Offenheit.

Wie würden Sie die Arbeit mit Buket Alakuş beschreiben? 
Sie gibt sich nicht damit zufrieden, wenn eine Szene läuft und alle denken: „Super, jetzt haben wir’s!“ Sie sucht noch nach einer tieferen Ebene, nach Zwischentönen, die inspiriert sein können durch ein größeres Bild, das sie aufmacht. Sie fragt sich immer wieder: Warum braucht es jetzt diese Szene hier wirklich – im Film ebenso wie in der Welt? Und das fand ich bezeichnend, weil es sehr viele gibt, die diesen Extraschritt nicht gehen. Diese plötzliche Tiefe, die daraus entsteht, bietet dann nochmal einen anderen Spielansatz. Das ist unglaublich schön und bereichernd.